Las 100 mejores canciones de heavy metal de todos los tiempos

por piedra rodante

Miles de años después de las edades del Bronce y del Hierro, hace medio siglo amaneció la verdadera Edad de los Metales. En 1970, Black Sabbath evocó de manera convincente la verdadera esencia del mal con el pesado riff de guitarra de tres acordes que abre la canción "Black Sabbath", consagrando el primer triturador de heavy metal puro, y las ondas se han extendido virulentamente desde entonces. Judas Priest se sintonizó con las melodías oscuramente irregulares de Sabbath para crear sus propias miniepopeyas intrincadas y transgresoras de la ley, Metallica aceleró los tempos de Priest para dar a los headbangers casos de latigazo cervical, bandas de pelo como Mötley Crüe y Quiet Riot arreglaron la música para MTV, y nu -mutantes de metal como Korn y Slipknot le dieron un toque sombrío post-rock alternativo y hip-hop. Al mismo tiempo, sus verdaderos creyentes han creado ramificaciones globales extremas como el death metal, el doom metal y el black metal.

En esas más de cinco décadas, los fans del metal han adoptado las canciones del género como intensas declaraciones de individualidad. Para ser un metalero, estás rechazando la normalidad, estás dispuesto a creer en ti mismo y visitar tu lado oscuro porque sabes que los decibeles que destrozan los tímpanos y las letras agresivas son el crisol en el que sientes algo nuevo y único. Años después de sus estruendos iniciales, el metal es ahora una fuerza cultural. Con el tiempo, el heavy metal ha encabezado las listas de éxitos, sirvió como base para películas exitosas, salvó el día en los programas de televisión e incluso marcó la prosperidad en todo el mundo.

De lo que se han dado cuenta millones de fans en todo el mundo es que una buena canción de metal te transporta. En medio de los tambores ensordecedores y las voces gruñonas, la melodía de metal ideal relaciona el poder, la resistencia e incluso la esperanza. Donde los oídos menos cultos solo escuchan ruido y rabia, los metaleros reconocen los matices. Una canción como "Fade to Black" de Metallica, por ejemplo, en realidad te ayuda a escapar de tu oscuridad personal en lugar de alentarla. El metal siempre se ha tratado de superar el miedo y encontrar una comunidad entre marginados de ideas afines. Se trata de unión.

El grupo de headbangers que Rolling Stone reunió para clasificar las 100 mejores canciones de heavy metal de todos los tiempos debatió los méritos de más de 300 canciones valiosas durante varios meses. Estas personas incluyen escritores y críticos que han estado escribiendo para Rolling Stone durante décadas y colaboradores de publicaciones enfocadas en el metal. Muchos votantes de la lista contribuyeron a la lista de los mejores álbumes de metal de RS hace unos años.

Esta vez, discutimos las primeras canciones de metal desde la versión ensordecedora de Blue Cheer de "Summertime Blues" hasta clásicos instantáneos recientes como "Executioner's Tax (Swing of the Axe)" de Power Trip. Y mientras manteníamos nuestras mentes abiertas a la definición básica de metal (los riffs pesados ​​se convirtieron en 11), debatimos las delgadas líneas entre el hard rock y el metal: Motörhead y AC/DC, bandas de hard rock que grabaron impresionantes declaraciones de furia. que se cruzan con el metal, están aquí, mientras que Guns N' Roses y Kiss, cuya música tiene más una arrogancia de rock duro en general, no lo están. Del mismo modo, encontrarás canciones de Def Leppard, Lita Ford y Ratt, bandas que definieron un espíritu de metal para el momento en que surgieron, incluso si sus canciones no suenan tan intensas como, por ejemplo, Emperor. En el caso de los antepasados ​​del metal, como Led Zeppelin e incluso Black Sabbath, que han evitado la etiqueta de "metal", elegimos las canciones más metaleras de sus catálogos. Nuestros colaboradores enviaron boletas de sus selecciones personales para las mejores canciones de metal, las contamos y detectamos algunas sorpresas agradables en cómo se sacudió la clasificación.

Así que pónganse sus chalecos de batalla, levanten sus cuernos y tengan un collarín a mano mientras Rolling Stone hace la cuenta regresiva de las 100 mejores canciones de heavy metal de todos los tiempos.

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Blasphemy ha captado la atención durante siglos, pero hasta 1981, el heavy metal nunca había visto a una banda apostar tanto por Satanás como lo hicieron los tres muchachos de Newcastle que se hacían llamar Venom. En contraste con la innovación con visión de futuro de la Nueva Ola del Heavy Metal Británico (también conocido como NWOBHM), el trío desnudó el heavy metal hasta su forma más primitiva y contundente. La canción que da título a su álbum debut es un clásico endiabladamente perdurable, con un riff perverso que rivalizaba con "Fast" de Eddie Clark de Motörhead, sin mencionar algunas de las letras más caricaturescas que el género haya escuchado jamás. Los críticos estaban horrorizados, los fanáticos del metal se lo comieron, y pronto una generación de adolescentes escandinavos tomaría el concepto de "metal negro" de Venom y correría con él, directo a las puertas del infierno. —AB

A principios de los noventa, Crowbar se estableció como el acto más rudo en la bulliciosa escena del metal de Nueva Orleans. Pero "Planets Collide", el primer tema del quinto álbum de la banda, Odd Fellows Rest de 1998, demostró que había mucho más en el guitarrista, vocalista y líder de la banda Kirk Windstein de lo que sugería su rostro de MTV que bramaba y hacía muecas. La canción reemplazó el golpe fuerte infundido de Crowbar anterior con una caminata melódica maravillosamente nebulosa, sin duda informada por el amor permanente de Windstein por el oro AM de los 70, mientras que el vocalista cambió su ladrido característico por un canto grave mientras relataba la lucha de su hermana con la sustancia. abuso. El resultado fue quizás la primera balada poderosa de sludge metal y el modelo para la "música pesada y emocional" que desde entonces se ha convertido en una marca registrada de Crowbar. —HS

Todo sobre Power Trip gritaba retroceso, desde su elegante matrimonio de hardcore y thrash, construyendo sobre la era dorada del llamado "crossover", hasta la fuente de la portada del álbum al estilo de 1987. Pero su inteligencia compositiva y su entrega ferozmente intensa se combinaron para crear un verdadero himno de la nueva escuela con "Executioner's Tax (Swing of the Axe)", lo más destacado de su LP de 2017, Nightmare Logic. "Ve y mírate/Hoy es tu día de suerte", escupió el líder Riley Gale en las primeras líneas, apuntando al estupor soporífero que oculta la siniestra vida moderna. "¡El verdugo está aquí y está listo para hacerte pagar!" Tras el trágico fallecimiento de Gale en 2020, surgieron muchas versiones de "Swing of the Axe", incluida una con miembros de Obituary, una banda amada por el difunto vocalista, consolidando el estatus de la canción como un estándar de metal moderno. —HS

El prog y el hardcore punk alguna vez parecieron polos opuestos musicales, pero a fines de los noventa, un puñado de actos innovadores encontraron la manera de combinar la complejidad del primer estilo con la furia del segundo. "43% Burnt" de The Dillinger Escape Plan, del histórico LP debut de la banda de Nueva Jersey en 1999, Calculating Infinity, se convirtió en algo así como un tema musical para el movimiento más tarde conocido como mathcore. La brillantez de la canción radica en su contraste entre el crujido maravilloso y asintiendo con la cabeza de las averías del sujetalibros y la locura frenética de su sección media, en la que el puntilloso golpe puntillista choca de frente con pasajes limpios al estilo jazz-fusión. El guitarrista Ben Weinman le dijo más tarde a Decibel sobre la era de Calculating Infinity que "la única forma de obtener energía de las cosas técnicas era hacerlo como si una ametralladora te golpeara en el pecho", y "43% Burnt" era el arquetipo de ese ampliamente imitado. acercarse. —HS

Combinando el golpe de NWOBHM con el descaro clásico del rock & roll, el sencillo de 1980 de Girlschool ofreció un saludo con dos dedos encantadoramente mocoso a los detractores de todo el mundo. El mensaje de la canción de mantenerse enfocado frente a la negatividad, ya sea que esté haciendo cambios de vida muy necesarios o simplemente bebiendo, resonaría en cualquier época, pero el hecho de que lo transmita una banda exclusivamente femenina (que grabó en un momento en que tales cosas todavía eran una novedad relativa) le da una patada extra. Lo mismo ocurre con un par de candentes pistas de Kelly Johnson, quien sigue siendo uno de los guitarristas más subestimados de la época. -DELAWARE

Robb Flynn desempeñó un papel importante en la escena thrash del Área de la Bahía de mediados de los ochenta, pero la mayor contribución del guitarrista y vocalista al canon del heavy metal se produjo al frente de Machine Head, la banda que fundó en 1991 después de dejar Vio-lence. "Davidian", la canción de apertura del debut de la banda en 1994, Burn My Eyes, cristalizó el sonido de la pesadez de los noventa con un sentido sísmico de groove y un riff central que sonaba casi industrial, que combinaba de manera brillante acordes poderosos amenazantes y armónicos penetrantes. La canción se inspiró en el asedio de Waco de 1993, durante el cual más de 80 miembros del culto religioso Branch Davidian fueron asesinados por la policía en Texas, pero la letra de Flynn sobre la catarsis violenta es lo suficientemente general como para aplicarse a casi cualquier escenario de superación de la opresión. —HS

Helmet surgió del underground del noise-rock, debutando en el sello punk de Minneapolis Amphetamine Reptile con el frío asalto de Strap It On de 1990, fusionando ruido orquestado, precisión de metal, firmas de tiempo complicadas, riffs de avalancha y el mosh del cantante y guitarrista Page Hamilton. ladrido de sargento de instrucción. "Realmente me gustaban las cosas ruidosas y realmente me gustaban las cosas funky. Realmente amo a AC/DC y Sonic Youth y Led Zeppelin", recordó Hamilton, "En algún lugar está Helmet". Todo se combinó con una fuerza bruta gloriosa en "In the Meantime", de su álbum de 1992 Meantime, uno de los avances menos probables y más extremos de MTV del frenesí de alimentación del rock alternativo posterior a Nirvana. —JD

Desde mediados de los 80 hasta principios de los 90, las franjas del metal se hicieron cada vez más extremas, pero Cannibal Corpse elevó la oscuridad a niveles genuinamente incómodos, creando canciones que sonaban como películas snuff auditivas. Su mejor canción es una cancioncilla implacablemente contundente sobre, sí, hundir la cara de una víctima indefensa con un mazo. La música se adapta al estado de ánimo: una introducción de tiempo de parada brutal pero ultrapegadiza se rompe con ritmos explosivos de martillo neumático, que dan paso a una pausa de bajo diestra, pero es el gruñido casi subsónico de Chris Barnes ("Tengo... ganas de matar … youuuuu" es una de las únicas líneas que podrías descifrar sin una hoja de letra) que hace que "Hammer Smashed Face" sea tan inquebrantable como un clip de Faces of Death. Millones de espectadores desprevenidos probarían por primera vez la espantosa melodía, y el death metal en general, cuando apareció en un escenario poco probable: una escena de club del ridículo éxito de Jim Carrey de 1994, Ace Ventura: Pet Detective. —HS

Si Rob Halford es el Dios del Metal, entonces Doro Pesch de Warlock es la Diosa del Metal. El cantante coescribió el himno estruendoso y emocionante "All We Are" con el productor Joey Balin después de mudarse de Alemania Occidental a la ciudad de Nueva York. Se convirtió en un éxito mundial inmediato, gracias a su irresistible coro de gritos y las letras empoderadoras de Pesch, entregadas en su característico gruñido de varias octavas. Hasta el día de hoy, Pesch sigue siendo uno de los íconos más queridos del metal, una pionera para las músicas de metal de todo el mundo, y "All We Are" sigue siendo su tema característico. "Tal vez Dios dijo: 'Está bien, ahora tienen un pequeño éxito'", dijo Pesch a The Classic Metal Show en 2017. "Fue un poco sorprendente. Pero cuando la gente cantaba en el estudio, me di cuenta. Había algo de magia allí que era poderosa". —AB

A raíz de los pioneros de los ochenta como Queensrÿche y Fates Warning, Dream Theater se convirtió en el líder del metal progresivo estadounidense en los noventa. Un año después de que Nirvana lanzara "Smells Like Teen Spirit" con todos sus riffs de guitarra toscamente simples, Dream Theater se aferró al llamativo tecnicismo del rock progresivo, improbablemente obteniendo un éxito con el vertiginoso espectáculo de su sencillo debut, "Pull Me Under". Una epopeya hábilmente arreglada construida alrededor de la batería de sonido masivo de Mike Portnoy y los riffs musculosos pero intrincados del guitarrista John Petrucci y las florituras al estilo de Yngwie Malmsteen, la pista cambia sin esfuerzo de movimiento en movimiento, haciéndose eco de Yes de dos décadas antes. El cantante James LaBrie canta apasionadamente letras filosóficas detalladas inspiradas en el Hamlet de Shakespeare, manteniendo accesible esta composición aparentemente pícara durante ocho emocionantes minutos. —AB

Chuck D de Public Enemy necesitaba convencerse de que "Bring the Noise", un sencillo de la revolucionaria obra maestra del grupo de rap de 1988, It Takes a Nation of Millions to Hold Us Back, podría funcionar como una canción de metal. Luego, el baterista de Anthrax, Charlie Benante, le envió una demostración de su visión de destrucción de parlantes. Hizo clic con el rapero debido a las ingeniosas interpretaciones de guitarra de los thrashers de las muestras de la canción original y la versión en vivo de Benante del ritmo "Funky Drummer" del stickman Clyde Stubblefield de James Brown. Se sintió tan bien que los dos grupos decidieron salir juntos a la carretera, organizando la primera gira de rap-metal, durante la cual interpretaron la canción en vivo. "Incluso con Anthrax golpeando sus guitarras en el número, cuando bajamos en vivo, atravesé a ese hijo de puta como una sierra circular", recordó Chuck D en el libro The Sound of the Beast. "George Clinton dijo: 'Maldita sea, eres una de las pocas personas que conozco que puede romperle el culo a un amplificador Marshall'". —KG

El Mike Muir que arremetió contra las escuelas, las iglesias y una madre que no cumplió con su simple pedido de "solo una Pepsi" en "Institutionalized" sonaba como un adolescente quejumbroso en comparación con la dínamo incontenible que encarna en "You Can't Bring". Me Down", la canción que consolidó la transformación de Suicidal Tendencies de hiperactivos skate punks de los ochenta a un sofisticado grupo de metal de los noventa. Escrita por Muir y el guitarrista Rocky George, la canción se desarrolla a partir de arpegios inquietantes y de tonos limpios hasta fragmentos de ritmo acelerado y furioso, mientras el líder enfatiza el mensaje central de la canción de desafío para todo propósito, mientras dispara una gran cantidad de su amplificado patentado. revestimientos "Y si te ofendí, oh, lo siento", bromea cerca del final, preparándose para coronar uno de los mejores himnos del dedo medio de todos los tiempos del metal, "pero tal vez debas ofenderte. Pero aquí está mi disculpas. Y una cosa más... ¡Vete a la mierda!" —HS

River Runs Red, el clásico debut de Life of Agony en 1993, relata la vida de un joven que se desmorona durante el transcurso de una única semana horrible, y la apertura del álbum, "This Time", establece una parte clave de la historia de fondo, detallando la frustración del protagonista con su padre poco confiable. La canción muestra la mezcla singular que convirtió al cuarteto de Nueva York en uno de los actos pesados ​​​​más frescos de principios de los noventa, estableciendo riffs corpulentos al estilo hardcore contra el estilo vocal emotivo y melódico de Mina Caputo. "Tienes tiempo, pero no tienes tiempo para mí", se lamenta amargamente durante la parte central de la canción, lo que lleva la angustia intergeneracional del álbum, que el bajista y letrista Alan Robert describió una vez como "básicamente mi diario", a un nivel aún más desgarrador. clímax temprano catártico. —HS

At the Gates surgió de Gotemburgo, Suecia, resumiendo la revolución del death metal melódico de la ciudad portuaria con su obra maestra de 1995 Slaughter of the Soul. El grito atormentado del líder Tomas Lindberg nunca golpeó tan fuerte como en la canción principal. "Había algo mucho más duro en lo que escribí en comparación con antes", dijo Lindberg a Revolver. "Se eliminó toda mención de dragones y vikingos. Me concentré en la vida real y los problemas sociales. Era más realista y menos mítico". Menos de un año después, At the Gates sorprendió a todos al separarse en su apogeo artístico. Pero su influencia sigue siendo enorme: puedes escuchar "Slaughter of the Soul" en el rugido de las bandas estadounidenses de metalcore, desde Lamb of God hasta As I Lay Dying. —RS

El motivo central de "21st Century Schizoid Man", la canción de apertura del clásico debut de King Crimson en 1969, In ​​the Court of the Crimson King, es un fuerte contendiente por el título de mayor riff de proto-metal. Es una figura arrogante y doom, realzada por la pericia del guitarrista Robert Fripp y el baterista Michael Giles, que inspiró a Pete Townshend a llamarlo, en un anuncio de sello contemporáneo, "el riff más pesado que ha sido de media frecuencia en ese disco de vinilo negro desde Octava de Mahler". Las letras poéticas pero inquietantemente gráficas contra la guerra de Peter Sinfield (que contienen líneas como "Blood rack, barbed wire/Politicians' funeral pira/Innocents violed with napalm fire") y un efecto saturado en la voz de Greg Lake realzan el tono prohibitivo de la canción, haciendo que incluso el Las excursiones instrumentales inspiradas en la música clásica y el jazz en la sección media de la canción se sienten como expresiones de puro terror apocalíptico. —HS

Entre grabar como un rapero pandillero pionero e interpretar a un policía en la televisión, Ice-T fue brevemente el artista de metal más controvertido del mundo, gracias a la ampliamente prohibida "Cop Killer" de Body Count. Pero de alguna manera, "There Goes the Neighborhood" (del mismo álbum) fue un desafío más flagrante porque era una canción de metal, interpretada por músicos negros, que desafiaba vocalmente las actitudes racistas entre los fanáticos del metal. "¿No saben que el rock es solo para blancos?" Ice-T canta burlonamente, antes de que el resto de Body Count muestre su dominio de los estilos de metal, desde riffs lentos al estilo Sabbath hasta thrash a toda velocidad y trituración al estilo Van Halen. A veces, jugar bien es la mejor venganza. —JDC

"Era nuestra canción más normal", dijo Rob Zombie sobre la entrada principal de White Zombie. "Una canción que una persona normal podría disfrutar". Incluso en el grunge de 1992, "Thunder Kiss" fue un éxito asombroso, su ritmo simple y sin disculpas se cubrió con el chillido plañidero que traicionó las raíces de la escena de ruido de Nueva York de la banda. Por encima de las sirenas de la policía y muestras de películas de serie B, Zombie gruñe y balbucea su mito de la creación, un marginado de la escuela de arte, nacido en el 65, naturalmente, que disfruta de Harleys, horror y satanismo lujurioso. "Demon-warp está cobrando vida", tose en el coro, anunciando proféticamente su llegada como uno de los últimos tipos de metal en convertirse en un pilar de la cultura pop. —GHC

Una representación sobria de los horrores de la guerra que, sin embargo, se siente como un triunfante llamado a las armas, "World Eater" de Bolt Thrower está impulsada por el galope enérgico característico de la banda, el riff carnoso y el gruñido subterráneo de Karl Willetts. Un solo chirriante en medio de la canción y ritmos explosivos despiadados solo se suman al caos. Es un ejemplo principal de la actitud heroicamente intransigente de la banda británica de death metal. "El orgullo es lo más importante", dijo el guitarrista Gavin Ward a un entrevistador en 2002. "Sabíamos desde el principio que Bolt Thrower nunca sería una gran banda, porque nunca tendríamos voces comerciales. Nunca tocaríamos el juego. Nosotros nunca me inclinaría". —KK

Cuando Kittie irrumpió en la escena del metal en 2000, las jóvenes canadienses (que tenían entre 15 y 18 años en ese momento) fueron inmediatamente colocadas en un pedestal debido a su condición de "banda de chicas", una etiqueta que despreciaban. . Su álbum debut, Spit, fue una mezcla adorablemente áspera de thrash, grunge, death metal, rock alternativo y pura rabia adolescente. Su canción principal es un himno protofeminista asesinamente pesado que apunta a los misóginos y les da un tiro mortal en menos de tres minutos. Más que nadie en ese momento, Kittie entendió el poder que ejercían. "Hay algo mágico en Spit en general", reflexionó Lander en 2021. "Puedes sentir nuestra juventud, nuestra ira, todas estas emociones que hicieron de Kittie quienes éramos en ese entonces". —KK

A Twisted Sister le tomó una década de conciertos en la ciudad de Nueva York en los años setenta para llegar a "We're Not Gonna Take It", que presenta la introducción de batería más pegadiza desde "Rock and Roll" de Led Zeppelin y una de las más fenomenales del metal. manos. "Soy de la escuela Alice Cooper de 'School's Out', 'I'm Eighteen'", dijo Snider a NPR. "Y Alice era muy entusiasta con estas canciones de himnos. Así que quería escribir un himno para que la audiencia levantara los puños en el aire con justa ira". Snider and Co. llevaron su mensaje a casa en un video musical inolvidable que rápidamente se convirtió en un pilar de MTV gracias a su sentido del humor y la apariencia de New York Dolls de la banda con esteroides. Snider pronto comenzó a presentar el predecesor de Headbangers Ball de MTV, Heavy Metal Mania, pero la burbuja estalló después de que testificó en las audiencias del PMRC, suavizando su imagen pública, a pesar de que enfrentarse a Tipper Gore fue el último acto de cuestionamiento de la autoridad. —AB

"My Own Summer (Shove It)" sirvió como el sencillo principal del segundo álbum de Deftones, Around the Fur, y no solo se convertiría en el gran éxito de la banda, sino que también definiría el sonido del nu metal en las próximas décadas. Es una clase magistral en la creación de tensión, con una guitarra palpitante debajo de la interpretación silenciosa y ruidosa del vocalista Chino Moreno. Y en un momento de ira cruda en el género, Deftones lideró el grupo con letras inteligentes y complejas ("La sombra es una herramienta, un dispositivo, un salvador / Mira, trato de mirar hacia el cielo / Pero mis ojos arden ( cloud)") que hizo que canciones como esta fueran tan dinámicas y reveladoras como profundamente atractivas para tocar a todo volumen. —BS

Las bandas de metal no son conocidas por admitir la vulnerabilidad, pero a principios de los ochenta, los miembros de Accept de Alemania Occidental fueron lo suficientemente inteligentes como para reconocer sus limitaciones, por lo que le pidieron a su manager, Gaby Hauke, que hablaba inglés mejor que sus clientes, que escribiera letras para a ellos. Terminó escribiendo impactantes visiones de masculinidad tóxica (sexo, violencia, distopía) para su álbum Balls to the Wall, y la canción principal es un himno hirviente de la era de la Guerra Fría. Las guitarras solistas gemelas son nítidas; Udo Dirkschneider, vestido de camuflaje, lidera la carga con su voz de gárgaras de grava y sus dientes rechinando espeluznantemente; la producción evoca cuero, cromo y acero; y las letras de Hauke ​​están llenas de imágenes provocativas de tortura, sodomía, montones de cadáveres y revueltas. Gracias a un video memorable y algunos de los mejores riffs de este lado de AC/DC, la canción se convirtió en un clásico instantáneo. —AB

Converge irrumpió en territorio tabú en "Concubine", haciendo un ruido brutalista de metalcore a partir de los restos de una relación disfuncional. La canción tiene solo 80 segundos de duración, pero eso es todo lo que Converge necesita para hacer de "Concubine" un modelo para la furiosa catarsis emocional de su clásico de 2001 Jane Doe. La banda comenzó en la escena del hardcore punk de Massachusetts, pero evolucionó hacia el núcleo matemático metálico, con Jacob Bannon gritando su angustia poética que quema las amígdalas sobre los polirritmos descentrados. Curiosamente, cuando Converge lo grabó, estaban en el mismo estudio que cierta leyenda del rock suave de los setenta. "James Taylor estaba al otro lado del pasillo", dijo el bajista Nate Newton a Decibel. "Y siguió enviando a su ingeniero para decirnos que nos calláramos. 'El Sr. Taylor está tratando de grabar pistas vocales, y ustedes están perdiendo el tiempo y están hablando demasiado fuerte aquí'. Pero "Concubine" todavía trae el fuego y la lluvia. —RS

Abriendo con un torbellino de comentarios sobre un bajo retumbante y tom-toms, "Jesus Christ Pose" es ante todo un asalto sónico, Soundgarden en su forma más brutalmente intensa. Pero tenía las palabras "Jesucristo" en el título, por lo que, por supuesto, algunas personas estaban ansiosas por ofenderse. Aunque el cantante Chris Cornell le explicó a Spin que la canción era en realidad una crítica a las celebridades que afirman ser víctimas: "Es más o menos una canción que no es religiosa pero que expresa estar irritado al ver eso", su video musical lleno de crucifijos fue retirado por MTV. Pero no necesitas imágenes cuando tienes sonidos tan expresivos como la guitarra punzante de Kim Thayil detrás de los gritos de Cornell de "¡Salvado! ¡Salvado! ¡Salvado!" —JDC

Bathory fueron pioneros de la escena del black metal sueco, y "A Fine Day to Die" de Blood Fire Death de 1988 brilla oscuramente como su mejor momento. La sed de sangre lo-fi y los solos escalofriantes que definieron el sonido inicial de la banda están al frente y al centro, y sin embargo, ya puedes escucharlos superando el estilo que acaban de inventar para crear el grandilocuente sonido Valhalla conocido como Viking metal. Es una bestia híbrida que combina lo mejor de Bathory en una epopeya de ocho minutos que logra trascender un género que acaba de definirse. —KK

Las poderosas baladas al estilo Bon Jovi "18 and Life" y "I Remember You" catapultaron a Skid Row al éxito principal en 1989, pero "Youth Gone Wild" ya se había ganado a gran parte de la multitud de metal. Aunque escrito por los líderes de la banda, el guitarrista Dave "Snake" Sabo y la bajista Rachel Bolan, fue el carismático vocalista de Skid Row, Sebastian Bach, quien convirtió "Wild" en un himno de rebelión. Cantó coplas como "Nunca seguí las reglas, realmente nunca me importó/Mi mala reputación me lleva a todas partes" con tanta ferocidad, mientras se pavoneaba y gruñía, que se convirtió en una actuación estelar. "Cuando me uní a la banda, me hice el tatuaje de 'Youth Gone Wild' en el brazo antes de que tuviéramos un contrato discográfico, antes de que tuviéramos un manager", dijo Bach a Guitar International. "Creí en esa canción con todo mi corazón antes que nadie". —AB

Obituary entregó el pico del death metal en su verdadero esplendor. En su segundo álbum, Cause of Death de 1990, los floridanos cultivados en pantanos refinaron su sonido (un poco) desde sus primeras salpicaduras, pero mantuvieron los ritmos rebosantes, la arrogancia sureña, la velocidad esporádica y los riffs contundentes. El vocalista Donald Tardy ha dicho: "Fue el álbum que realmente hizo que los niños se dieran cuenta de lo que significan las dos palabras cuando dicen 'death metal'", y su joya de la corona, el sangriento himno "Chopped in Half", es el ideal platónico de Death metal de los noventa: una oda imposiblemente pesada, impulsada por el bajo e infestada de thrash para literalmente cortar a un tipo por la mitad. ¡Sangrar! —KK

Golpeando y bailando, el sencillo de Rammstein de 1997 fue un avance global improbable en la era del nu metal. Haría que millones de adolescentes aprendieran al menos una frase en alemán, si es que no saben ya sprechen ze Deutsch. El jam industrial tiene un toque goth rave, con su ritmo pisando fuerte y un par de rupturas techno en la mitad posterior. El guitarrista Richard Kruspe señalaría que la canción trata sobre la lealtad, específicamente el tipo de compromiso similar al matrimonio que la banda hizo entre sí. Es tan pegadizo como difícil, con un impactante atractivo masivo que llevaría a una superestrella del pop como Lizzo a cubrirlo alegremente este año. —BS

"You Suffer" de Napalm Death reducía el grindcore a su id primordial y desenfrenado. La pista proviene del debut de la banda británica en 1987, Scum, y su tiempo de ejecución de 1.316 segundos que estableció un récord Guinness comenzó como una broma, pero se convirtió en una destilación perfecta del revoltijo nihilista de la furia burlona del hardcore punk y la velocidad del thrash maníaco que animan los mejores momentos de la rutina, mientras sus letras de cuatro palabras son un himno de mercurio a la futilidad desgarradora de la existencia. Como Mikael Åkerfeldt de Opeth, que no es ajeno a las florituras líricas, comentó después de que su banda interpretara la melodía durante una aparición en un festival de 2017: "Es tan acertado: 'Sufres/¿Pero por qué?' No necesitas ser Bob Dylan". —KK

Mastodon ya había decidido que querían hacer un álbum conceptual sobre el agua, en contraste con su LP debut, Remission, que se centró en el fuego, cuando el baterista Brann Dailor recogió una copia de Moby-Dick de Herman Melville en el camino para encontrarse con el resto de la banda para una serie de conciertos en Europa. Rápidamente escribió la mayor parte de la canción basada en la búsqueda de venganza acuática del Capitán Ahab, incluso tomando prestadas varias líneas de locura marinera directamente del libro; el riff central y el puente, dice, se basan parcialmente en la música pop egipcia de la década de 1990. "Había pasado unas pocas páginas cuando [los personajes] empezaron a referirse a la ballena como 'el mastodonte de sal marina'", dice Dailor, interpretando la mención como una señal. "Para cuando llegué al Reino Unido, tenía mi discurso de ascensor resuelto para los muchachos". Terminarían con un gran golpe de conducción y paliza. —DF

Aunque "Flying Whales" de Gojira contiene muestras de ballenas gimiendo en y alrededor de los riffs malhumorados de Joe Duplantier, el cantante y guitarrista afirma que nunca había visto a uno de los grandes mamíferos antes de escribir la melodía. Sin embargo, este punto culminante del exitoso LP de la banda, From Mars to Sirius, se convirtió en uno de los grandes himnos ambientalistas del metal. Como sacado de algún manifiesto climatológico-futurista, "Flying Whales" encuentra a Duplantier imaginando a nuestros animales más grandes después de haber huido a la relativa seguridad del espacio, "surgiendo de la oscuridad". La vertiginosa dinámica y las maniobras rítmicas de la canción destacan lo que está en juego para sobrevivir. "Puede parecer paradójico tener un mensaje de esperanza", dijo más tarde Duplantier, "y tocar esta música violenta". Pero las bandas crearon un camino a partir de la desesperación más abyecta. —GHC

"Nací en el cementerio bajo el signo de la luna", canta King Diamond en la parte superior de "Evil", la salva de apertura del primer LP de Mercyful Fate, Melissa. Con esa letra, los gritos de King que rompen cristales y los riffs asertivos de la banda, la melodía estuvo a la altura de todos los rumores que rodeaban a la banda: el pie de micrófono de King era una cruz de fémures humanos, le cantaba a una calavera llamada Melissa, y lo más aterrador de todo, sus letras ricamente satánicas fueron pronunciadas con solemnidad litúrgica. "Evil" demostró que Mercyful Fate era una banda que podía componer tan hábilmente como impactar, mostrando ritmo, melodías ornamentadas y dinámicas magistralmente cronometradas que complementaron la aterradora historia de necrofilia de King. "Tomábamos en serio lo que estábamos haciendo", dijo una vez King Diamond al autor Martin Popoff. "Nunca ha sido solo una imagen. Tocar, escribir música era solo a la luz de las velas... En el estudio tenía dos velas, así que solo podía ver la letra". —AB

Con su golpe aterrador y sus acordes dramáticos, la canción de apertura del debut homónimo de Van Halen en 1978 se vuelve considerablemente más oscura que el hard rock por el que serían más conocidos. Eddie Van Halen mantiene la heroicidad de la guitarra principal al mínimo, como si estuviera conservando municiones para una batalla más grande que está por venir, mientras que las letras sombrías que David Lee Roth ofrece sobre la dinámica experta de tensión y liberación de sus compañeros de banda propugnan una calle endurecida. visión del mundo en desacuerdo con su personaje de Louis-Prima-in-assless-chaps. Y cuando el poderoso coro de la canción entra en acción, su mensaje de solidaridad satánica suena lo suficientemente serio como para asustar a los piadosos feligreses y sacarlos de sus bancos. -DELAWARE

Originalmente escrita para la banda Sexart de Jonathan Davis, "Blind" no solo presentaría a Korn al mundo, sino que también ayudaría a marcar el comienzo del reinado del nu metal. El sencillo principal del álbum debut de la banda está lleno de giros y vueltas: cada elección musical y vocal se siente como un shock. La voz tensa de Davis oscila salvajemente entre la tensa moderación y los gritos salvajes. Debajo de su voz hay un sonido que es a la vez maravilloso y pesado, pero informado por el grunge y el rap que dominaban la música en ese momento. Sin "¿Estás listo?" en la música nunca se ha pedido con más necesidad e intensidad. —BS

Quiet Riot pasó casi una década tocando en los clubes de Hollywood cuando lanzaron su tercer álbum en el momento adecuado/en el lugar adecuado, Metal Heath, en 1983, asegurando su legado. Si la portada del álbum "Cum on Feel the Noize" de Slade, que llegó al Top Five, fue el cebo, el himno del título fue la trampa, asegurando el lugar de la banda en los corazones de los headbangers e impulsando el álbum para convertirse en el primer LP de metal en alcanzar el número uno. en el Billboard 200. "Se sentía como un corredor que está corriendo montaña arriba y está tan ocupado resoplando que no levantas la cabeza para mirar el hermoso paisaje que alcanzas", dijo el bajista Rudy Sarzo a Rolling Stone. "No fue solo una subida larga y constante, sino larga y dura". Con un riff monstruoso del guitarrista Carlos Cavazo, la batería de Frankie Banali y una actuación delirantemente rimbombante del adorable bocazas Kevin DuBrow, "Metal Health (Bang Your Head)" sigue siendo suficiente para volverte loco. —AB

"Over My Head" es una canción sobre otras dos canciones. Como deja en claro la letra, está parcialmente inspirada en los recuerdos del bajista dUg Pinnick de su abuela cantando la canción gospel "Over My Head" mientras rezaba. (Extrañamente, "Disco Inferno" de los Trammps también hace referencia a eso espiritual.) Pero como le dijo a Greg Prato, Pinnick también estaba pensando en "Let Love Rule" de Lenny Kravitz al escribir la canción, particularmente la forma en que Kravitz retrocede cuando llega a el coro. "Esa fue la primera vez que escuché un coro decepcionante, pero funciona". Como lo hace aquí, donde King's X va por el ritmo en lugar de optar por un estribillo himno con resultados deliciosamente etéreos. —JDC

A pesar de la naturaleza completamente negra de sus composiciones doom-powered, los reyes del metal deprimido de Brooklyn, Type O Negative, y su imponente vocalista, Pete Steele, amaban las buenas bromas. Su primer sencillo importante, "Black No. 1 (Little Miss Scare-All)" de 1993, es un ejemplo clásico: narrado por Steele en su rico y aterciopelado ronroneo de barítono, transmite todos los tropos góticos más tontos con una seriedad estudiada. desde Nosferatu hasta Lily Munster, con una grandiosa banda sonora de clavicémbalo, bajo vibrante y riffs de rock divertidos. "Type O Negative lo llevó a la enésima potencia. Había que tomar todo con pinzas", recordó Greg Mackintosh de los compañeros de gira de Type O, Paradise Lost. "Black No. 1 (Little Miss Scare All)", que comenzó como un tributo irónico a una ex novia, terminó como un momento icónico en el metal gótico estadounidense. —KK

A menudo acreditados como la primera banda de heavy metal de Estados Unidos (y muy posiblemente del mundo), los favoritos de los moteros del Área de la Bahía, Blue Cheer, derrotaron a Black Sabbath en las listas de éxitos por dos años con esta versión contundente y brutalmente distorsionada del himno de alienación adolescente de Eddie Cochran, que revienta los tímpanos. rastro de innumerables stoner, doom y otras bandas de terremotos en el proceso. "Blue Cheer dejó una impresión perdurable en este baterista que alguna vez fue joven", dijo el difunto Neil Peart a Rolling Stone en 2009, "y definitivamente jugó su papel en la formación de los comienzos de Rush: un trío ruidoso con una fortaleza de amplificadores, cañonazos de batería, y la voz aguda de un bajista tratando de atravesar la oscuridad". -DELAWARE

Esta banda de San José, California, puede ser mejor conocida por crear Dopesmoker, un álbum conceptual que constaba de una sola canción de 63 minutos. Pero es la gloriosa apertura de Sleep's Holy Mountain, de 1993, la que tiene la distinción de presentar la tensión más pura de su sonido alimentado con marihuana. Comenzando con el riff de guitarra directo de Matt Pike, "Into the Void", este canto a los guerreros cósmicos que "montan el dragón hacia el ojo carmesí/baten sus alas bajo el cielo rojo de Marte" es una carga de bong tanto de sludge metal como de tropos de ciencia ficción y fantasía: imagina un personaje en una pintura de Frank Frazetta cobrando vida y agarrando una Gibson Les Paul afinada entre golpes monstruosos. "Hubo una adoración obvia por Black Sabbath", admite Pike, con respecto a la plantilla sónica de la canción. "Pero también escuchábamos mucho dub... y fumábamos cantidades interminables de marihuana". —DF

Este punto culminante del exitoso álbum de 2003 de Arch Enemy, Anthems of Rebellion, es un artefacto emocionante del auge del death metal melódico de los primeros años. La percusión de Daniel Erlandsson, las guitarras de capas gruesas de Michael y Christopher Amott y (especialmente) la voz que escupe veneno de Angela Gossow se combinan para ofrecer partes iguales de elevación y amenaza, alentando al oyente a empoderarse y joder seriamente al mismo tiempo. Sobre el papel, una línea como "En este mar de mediocridad/Puedo ser cualquier cosa/Cualquier cosa que quiera ser" podría leerse como un simple tópico de autoafirmación, pero lanzada desde la laringe abrasada por el infierno de Gossow, suena como una maldita amenaza. -DELAWARE

"Estoy en esta banda por todo lo que odio de todo el mundo", dijo el baterista de Slipknot, Joey Jordison, a Rolling Stone en 2000. Verdaderos hijos del maíz, los nueve mutantes de Slipknot salieron de Iowa a finales de los noventa con sus máscaras aterradoras y espectáculos en vivo que rompen huesos, e hicieron de su extremismo alucinante la atracción más explosiva en Ozzfest. Resumieron su cosmovisión de odiar todo con furia sucinta en la vorágine del nu-metal "People = Shit", una declaración innegable de misantropía tribal y autodeterminación marginada. —JD

"Freezing Moon", uno de los himnos definitorios del black metal, pasó por serios dolores de crecimiento antes de su lanzamiento oficial en 1994. El líder de la banda, Dead, un sueco que se unió a los innovadores noruegos del black metal Mayhem en 1988, escribió la letra desde la perspectiva de un fantasma vengativo, pero se suicidó en 1991 antes de que la banda pudiera grabarlo en el estudio. Así que Euronymous reclutó a uno de los cantantes favoritos de Dead, el húngaro black-metal OG Attila Csihar de Tormentor, para intentarlo. El resultado, con su riff fúnebre, poesía crioesférica y tambores oscilantes, lo convirtió en un monumento grindcore que los grupos de black metal han aspirado a copiar desde entonces. Mejor aún: el solo gratuito de Euronymous es un paroxismo maravilloso sobre los ritmos oscilantes del baterista Hellhammer, una celebración poco sentimental del sufrimiento que Mayhem ya había sufrido y seguiría soportando. —GHC

A mediados de los ochenta, el thrash ya era un poco subversivo, pero en Brasil, que acababa de salir de 21 años de dictadura militar, bandas de thrash como Sepultura eran francamente subversivas. Sin embargo, Sepultura no solo prosperó en su entorno, sino que logró sugerir un sentido de orgullo nacional al reforzar su estilo de guitarra thrash con un ritmo de percusión derivado de la música tradicional brasileña. Aún así, cuando el guitarrista Max Cavalera vio la frase "Rechazar/Resistir" en la chaqueta de cuero de una Pantera Negra, inmediatamente se le ocurrió un sonido. "Me recordó a un motín", le dijo a Kerrang. "Autos en llamas y boca abajo, mierda esparcida por todos lados, caos en todas partes. Cuando lo escucho y cierro los ojos, puedo ver un motín incluso ahora". —JDC

Un milagro de la hora 11, "The Cry of Mankind" evolucionó desde que el guitarrista Calvin Robertshaw tocó con los dedos la espeluznante melodía de apertura de la canción (que recorre para siempre la canción de 12 minutos) y construyó cada parte a medida que los melancólicos de My Dying Bride las adivinaban. . Incluso después de que la parte de la "canción" de la épica doom-metal se convierta en una atmósfera pesada, probaron cosas nuevas cuando el cantante Aaron Stainthorpe tocó la cuerda inferior de un violín de cinco cuerdas para evocar el cuerno de un barco lúgubre. El efecto es a la vez sombrío y romántico, mientras Stainthorpe, ebrio de Byron, Keats y Shakespere, gime como un vampiro solitario sobre los riffs aplastantes de sus compañeros de banda. "Pensé: 'En lugar de escribir sobre los temas típicos del heavy metal: el diablo, la sangre, las agallas y el maltrato de las mujeres, ¿por qué no escribo sobre algo más estimulante?'", le dijo a Decibel. "Estoy seguro de que algunas personas pensaron que mis letras eran una mierda y no muy heavy metal, pero... quería escribir sobre temas poderosamente emotivos". -KG

A raíz de la trágica muerte del guitarrista de dedos veloces Randy Rhoads en 1982, era imperativo que Ozzy Osbourne encontrara a un músico que pudiera ofrecer el mismo destello, y encontró un complemento perfecto en Jake E. Lee, como se escucha en la canción principal de su primer álbum juntos, Bark at the Moon. "El título de esta canción proviene de un chiste que solía contar donde estaba el chiste: 'Come mierda y ladra a la luna'", recordó Osbourne en sus notas de The Ozzman Cometh. "Fue la primera canción que [Jake y yo] escribimos juntos". Construido alrededor de un riff distintivo y entrecortado que combinaba músculo y melodía con una destreza impactante, "Bark at the Moon" interpretó brillantemente el apodo de "Príncipe de las tinieblas" de Osbourne con letras que se leen como una película de Hammer Horror, y su video musical con el tema del hombre lobo ganó sobre una nueva generación de metaleros. —AB

"Caffeine" es la canción más pesada y espeluznante de Angel Dust, el magistral álbum de 1992 de Faith No More sobre, como lo expresó el baterista Mike Bordin, "lo bello y lo enfermo". Musicalmente, despliega una versión metálica del viejo truco Holland-Dozier-Holland de emparejar un sonido optimista con un mensaje triste. "Caffeine" es un poco más depravado que Motown. "Vierte la vergüenza sobre nosotros / endurece en una costra", grita Mike Patton. A medida que la canción avanza con la guitarra pulverizadora de blues-rock de Jim Martin y los sintetizadores teatrales de Roddy Bottum, Patton se vuelve loco al estilo Hamlet. Supuestamente escribió la canción en medio de un ejercicio de privación del sueño que, en una especie de método de actuación, le permitió encarnar el objeto de su desprecio: la sociedad en piloto automático. "Las cafeterías y los comedores de basura blanca fueron geniales para inspirarte", dijo Patton a Circus en 1992. —SG

Def Leppard salió de la NWOBHM, pero no se quedaron mucho tiempo en ese mundo. Tan presentables físicamente como cualquier banda New Wave, con ganchos tan grandes como sus riffs, montados en el deslizamiento de teflón de la producción de Mutt Lange en su gran avance de 1983, Pyromania, estos payasos de rock & roll se convirtieron en la banda de pop-metal por excelencia de los años ochenta, extendiendo el alcance de la música. a personas que no se habrían acercado a una milla de campo de una canción de Motörhead. "Photograph" fue su gran avance en los EE. UU., con su sonido de cencerro pavoneándose, el giro agradable de Joe Elliott en el chillido estándar del tipo de metal y una melodía melancólica y bonita en el coro. Nadie entendió mejor la fórmula del perro esponjoso. —JD

Cuando Tool comenzó a armar su segundo largometraje, Ænima, el cantante Maynard James Keenan estaba buscando formas de cambiar su forma de escribir catártica y de gritos primarios. Eso lo involucró haciendo "mucha investigación esotérica, leyendo muchos libros matemáticos y psicológicos". El resultado fue una pista destacada que toca la idea junguiana del yo en la sombra y el concepto del filósofo de la Nueva Era Drunvalo Melchizedek de una mutación genética que indicaría una humanidad más "unificada". ¿Qué mejor para evolucionar que con una canción sobre una evolución literal? "'Forty Six & 2" también presenta una síncopa espectacular de inicio y fin, y una de sus líneas de bajo más rítmicas, cortesía de la sangre fresca de la banda: el nuevo bajista Justin Chancellor. "Escribió la mayoría de los riffs de 'Forty Six & 2'", dice el baterista Danny Carey, "y si vuelves a escuchar las tomas, te darás cuenta de que hay mucha energía espontánea". —DF

Una epopeya extensa de 13 minutos, "Deliverance" resume perfectamente los diversos impulsos musicales que encuentran un hogar en el sonido de este cuarteto sueco. En primer lugar, está la estructura de varias partes similar a una suite en la que la banda cambia de humor, texturas y métricas cada minuto más o menos; luego está el contraste entre los impulsos progresivos de la banda y su lado death-metal, perfectamente reflejado por las voces de Jekyll y Hyde de Mikael Åkerfeldt: por un lado, un dulce tenor de Greg Lake, por el otro, un Cookie Monster que gruñe. Impulsada por el ataque de doble patada del baterista Martín López, la banda suena como un monstruo, pero no se deje engañar. Como admitió Åkerfeldt, "las bandas de rock inglesas probablemente podrían darnos una paliza en cualquier momento". —JDC

"Soy básicamente una persona débil", dijo una vez Justin K. Broadrick de Godflesh, "generalmente bastante nervioso y muy, muy débil". La banda de metal industrial de Birmingham, Inglaterra, capturó perfectamente esa agitación interna y ofreció un modelo para el potencial impresionista del metal en "Slateman". La caja de ritmos en la pista es como un animal mecánico que no muestra piedad, y las guitarras salvajes, extrañamente asfixiadas, son igual de crueles. Pero es la voz lejana de Broadrick, y enterrada por la marga, borrosa por el viento, lo que más llama la atención, pareciendo cada vez más herida a medida que avanza la canción. "Slateman" es la rara canción de metal que te supera con su vulnerabilidad, más que con su poder. —GHC

Colaboradores: Adrien Begrand, JD Considine, Grayson Haver Currin, Jon Dolan, Dan Epstein, David Fear, Sarah Grant, Andy Greene, Kory Grow, Kim Kelly, Rob Sheffield, Hank Shteamer, Brittany Spanos